30 canciones del 2017 (1/3)

 Arcade Fire - Put Your Money On Me (Everything Now)




Charly García - Lluvia (Random)


Royal Blood - Lights Out (How Did We Get So Dark?)


Usted Señalemelo - Big Bang (II)


Lorde - Liability (Melodrama)


El Cuarteto de Nos - La Bestia (Apocalipsis zombi)


Queens of the Stone Age - Feet Don't Fail Me (Villains)

Él mató a un policía motorizado - Ahora imagino cosas (La síntesis O'Konor)


Gorillaz - Saturn Barz (Humanz)


El Bordo - Corazones olvidados (El refugio)

A medio siglo de la primera metamorfosis del rock y el pop (parte 1 de 3)

El rock era joven, los 60s habían empezado a pintar los primeros colores de los frescos trazos que habían dibujado los adolescentes a mediados de la década anterior. El condimento pop se agregó en 1962 con la música beat de Liverpool; se animaría el folk a enchufarse en 1965; y se conformaría (gracias a las drogas) la música psicodélica en 1966. Sin embargo, en el año del Verano del Amor se generaría la fusión de todos estos géneros y timbres, plasmándose en trazos vinílicos.

Aquí, los lanzamientos más importantes de 1967, álbums debuts y obras cumbres que quedarían en la historia e influenciarían por 50 años a artistas en todas partes del mundo.

04/01/1967 The Doors – The Doors

Grabado en sólo una semana en agosto de 1966, el LP debut del grupo americano abre el año demostrando la psicodelia que ya se vivía en todo Estados Unidos. Llenos de ácido (el nombre pertenece a un ensayo de Huxley acerca de experiencias con alucinógenos), el álbum contiene hits como “Break on through”, “Light my fire” o “The End” cuyas letras rondan lo surreal y lo lisérgico. El órgano (Manzanarek) funciona como principal compañero de las letras (Morrison) para llevar al oyente en un viaje hacia el otro lado.
La banda -que no contaba con bajista- ampliaría su sonido psicodélico del oeste de Estados Unidos por 5 discos más hasta que la súbita muerte de su cantante Jim Morrison los dejara a la deriva. Los miembros restantes seguirían sin éxito por unos años más hasta disolver la banda.

20/01/1967 The Rolling Stones – Between the Buttons

Between the Buttons encuentra a los Rolling Stones alejados del R&B que los había hecho tan famosos para afirmar su etapa más pop que se había manifestado en su álbum anterior Aftermath. Lógicamente con el toque psicodélico de la época -¿quizás en ese estado se encontraba Brian Jones en la tapa?- pero sin los singles “Ruby Tuesday” o “Let’s Spend the Night together”, Jagger y Richards juegan a componer todo un disco de una forma más suave, con melodías y coros cercanos a los Beatles o a los Kinks.
Si bien “Connection” o “Yesterday’s Papers” son simples, el disco se beneficia de la gran capacidad del guitarrista Brian Jones para tocar diversos instrumentos, como el saxo, la armónica y el piano. Después de 1967, los Stones pasarían a su última fase de Blues Rock para permanecer allí hasta el día de hoy.

01/02/1967 Jefferson Airplane – Surrealistic Pillow

El segundo disco de esta banda estadounidense profundiza su mezcla de folk y psicodelia que había empezado el año anterior, aunque sin la cantante Grace Slick. Si bien el album contiene el potente “Somebody to love”, que fue lanzado como primer single, no descansa en él y hace justicia a su título para jugar más con los climas en temas como “She Has Funny Cars” o el clásico “White Rabbit”.
Se percibe el rock ácido como en los Doors, pero con un contrapeso de folk rock estilo The Byrds, con baladas como “Today” o “Comin’ Back to Me”.
Jefferson Airplane seguiría amalgamando estos dos géneros por cinco años más, cuando, en un descanso por la maternidad de Slick, la banda se convertiría en Jefferson Starship y viraría al pop y al AOR de fines de los 70s.

20/02/1967 The Byrds – Younger Than Yesterday

En 1966, los Byrds habían sufrido la censura de su tema “Eight Miles High” por connotación a las drogas en su letra. No sirvió de mucho ya que al año esta banda de enérgicas guitarras sacaría “Younger Than Yesterday”, un álbum donde sobrepasarían la psicodelia para jugar con la ciencia ficción: Al eco, delay y reverb de las guitarras típicas de la psicodelia, le agregarían efectos electrónicos y de manipulación cinta (“C.T.A – 102” y “Mind Gardens”).
La banda que había empezado haciendo covers de Bob Dylan (Younger... contiene una versión de “My Back Pages”) seguiría por el camino del solista, mezclando folk y country mientras alternaban algunos miembros de la banda. El último disco de la banda liderada por Roger McGuinn sería en 1973, meses antes del asesinato de su guitarrista Clarence White.

12/03/1967 The Velvet Underground – The Velvet Underground & Nico

En el disco debut con más influencia en la historia del rock, la banda que tenía a Lou Reed en la composición y a Andy Warhol en la producción decidió llamar a la modelo alemana Nico a que cantara con ellos. Una batería por demás simple, guitarras desafinadas y ruido construyen este disco grabado en sólo dos días, que se aleja lo suficiente de la psicodelia para hacer algo más experimental y artístico.
Las letras crudas (Además de “Heroin”, “I’m waiting for my man” habla de un dealer de heroína y “Venus in furs” habla de sadomasoquismo) y la forma “amateur” de tocar despertaron ideas y admiración en artstas como David Bowie, Pixies, The Stooges, U2 o The Strokes.
La velvet seguiría experimentando por unos años más hasta que en 1970 Lou Reed dejaría la banda para seguir su carrera en solitario abocado al glam rock.

17/03/1967 The Grateful Dead – The Grateful Dead

Si hay un disco que no le hace justicia a lo que una banda solía tocar en vivo, es el debut de Grateful Dead. Grabado en 4 días, ninguno de los músicos conocía a fondo los estudios y el grupo era todavía inexperto. En sus conciertos la banda solía extender sus canciones (en el LP sólo dos tienen la autoría de algún miembro de la banda) zapando sobre ellas. Al sello no le convenció esto para la grabación y recortaron muchos temas, haciéndolos más amenos para la radio.
Después del disco homónimo cargado de blues y de rock, el grupo liderado por Jerry García seguiría jammeando -esta vez, también en grabaciones- y recorrerían un camino largo cargado de música estadounidense, folk, country y bluegrass. Después de la muerte de García en 1995 la banda se disolvería y los restantes músicos seguirían sus carreras  solistas

29/04/1967 The Turtles – Happy Together

La famosa canción homónima lanzada 3 meses antes del álbum contiene lo más importante de la placa (y de la banda), que dispara felicidad gracias a un sunshine pop muy bien logrado. Cabe destacar que de las 11 canciones que componen el disco sólo 4 fueron escritas por miembros de la banda, aunque esto no quita mérito a la elegante voz de Howard Kaylan ni a los afinados coros de Mark Volman.
The Turtles se beneficiaba más de los lanzamientos de sencillos que de  los álbumes de larga duración, sin embargo, en éste lograrían condimentar su pop con la psicodelia de la época para lograr su mejor LP. A raíz de este éxito, la banda empezaría a rellenar sus discos con más canciones propias y menos ajenas. Sin la recepción esperada, la banda se separaría en 1970 y el sello discográfico debería cerrar a causa de esto.

12/05/1967 Jimi Hendrix Experience – Are You Experienced?

El guitarrista que revolucionó todo con su sonido y su forma de tocar conseguiría su éxito en Inglaterra, después de no encontrarlo en su Estados Unidos natal. Are You Experienced? Comienza a gestarse cuando Chas Chandler de The Animals une a Jimi con Redding y Mitchell para hacer uno de los tríos más intensos de la historia.
El disco, escrito en su totalidad por Hendrix, se puede dividir en tres partes iguales: rock psicodélico, blues rock y hard rock. A las escalas blueseras aprendidas por Jimi en su juventud se le suma el hard rock que le nacía de sus adentros. Incorporan la psicodelia  sin teclados, organos o sintetizadores gracias a efectos de inversión de batería y guitarra, pedales de guitarra originales y la generación de climas nebulosos a raíz de tener solo tres instrumentos.
Los tres discos grabados en dos años contienen el mismo valor músical y de innovación que proveía la Jimi Hendrix Experience. El 18 de septiembre de 1970, entre frustaciones y desiluciones, Jimi Hendrix moría al asfixiarse con su propio vómito.

Sobre el indie y su significado

La efímera popularidad y efervescencia del punk en los años 1976 y 1977 sentó ideas que perduran casi medio siglo después. En esa época de crisis económica y pobreza, la sociedad empezaba actuar con el lema del “do it yourself”, creando o reparando sólo lo que se necesite, a bajo costo, mientras se aprendía el oficio. Las bandas de rock empezaron a tener sus propios sellos, financiar sus propios discos y encargarse de la distribución de los mismos. Esta filosofía anti capitalista, al no estar manejada por expertos en el área, bajaba los estándares de calidad: el sonido final era desprolijo, la repercusión era menor y la promoción era boca a boca.

Esto nos lleva a la primera definición de indie, una banda que edita su disco en un sello discográfico independiente. Algunos ejemplos son:

1. 4AD (fundado en 1980) editó a Bauhaus (1980), Dead Can Dance (1985) y Pixies (1987).
2. Sub Pop (fundado en 1986) editó a Nirvana (1989), Dinosaur Jr (1990), y Soundgarden (1990).
3. Matador (fundado en 1989) editó a Pavement (1992), Yo La Tengo (1993), The Fall (1993).

Una nutrida cantidad de grupos de distintos sellos independientes tomaron la música punk y decidieron darle una vuelta de tuerca. Los nuevos géneros "post punk" y "new wave" no tenían una forma definida y su vez era dificil diferenciarlos, siendo términos intercambiables a fines de los 70s por críticos y músicos. Ambos estilos querían transformar la simpleza de los tres acordes del punk en un movimiento más complejo y experimental. De este ímpetu de evolución surgieron bandas como Talking Heads, Joy Division, Devo o Duran Duran.

Ya en los 80 y en plena lucha con el synthpop reinante en todas las radios (y en un MTV que daba sus primeros pasos) se empieza a formar el término de "indie pop", en parte gracias a cassettes recopilatorios hechos por la revista New Musical Express. "C81" es el título del primer combinado publicado en enero de 1981, el cual tenía 25 artistas pertenecientes a sellos independientes haciendo 25 canciones pertenecientes a estos nuevos géneros aparecidos después de punk.
El indie pop tenía sus bases en los Beach Boys, la Velvet Underground y los Beatles, con los punteos de guitarras y la ansiedad tomada del post punk, los rasgueos del jangle pop y las melodías vocales de los sesentas. Era frágil, pero contrariamente tomaba la crudeza y energía del punk.

The Clean - Tally Ho (1981)

Orange Juice - Simply Thrilled Honey (1980)

Durante la década de los 80s se empezaría a englobar la música no mainstream (que había luchado contra el Disco, el Post Disco, el Synthpop y el Glam Rock) como música alternativa, es decir, música que no ocupaba los puestos altos de la radio y pertenecían a movimientos contraculturales. Esta designación de rock alternativo englobaba al indie mientras que sumaba subgéneros emergentes como el rock gótico o el jangle pop.
Tal sería la fama que alcanzaría el rock alternativo que se convertiría en su antítesis a finales de los 80s. Artistas como los Smiths, REM y Jane's Adicction serían grandes pilares de este suceso, pero no sería hasta la aparición del grunge en Seattle que dejarían de pertenecer a la escena under. Grupos como Nirvana, Soundgarden y Alice in Chains marcarían el principio de la década y romperían la represa dejando correr el río de diferentes estilos musicales que durante décadas se encasilló con el mismo nombre.

Así es como pasamos los 90s, una década de emergentes subgéneros del rock alternativo o como el Brit Pop, el shoegaze o el Madchester y llegamos al nuevo milenio repletos de bandas indie que suenan diferente. The Strokes, Arctic Monkeys, Foster the People, Franz Ferdinand, Arcade Fire… son sólo cinco ejemplos de cómo la música indie no tiene un sonido en concreto. Sus características son tan nebulosas que podemos encontrar, por un lado, un modelo más dance mientras que en el otro extremo tenemos garage rock.

The Strokes - Alone, Together (2001)

Franz Ferdinand - Darts of Pleasure (2003)

Las voces sin sentimientos, la duda y la introspección en vez de la alegría, riffs y melodías simples en lugar de virtuosismo, el nerviosismo así como la experimentación con instrumentos, todo esto evitando el contacto con el blues y expresado musicalmente en un compás de 4/4 marcando cada una de las ocho corcheas con el mismo énfasis crea un lazo -débil y flaco, como su sonido- entre las bandas indie del nuevo milenio, logrando que estas cinco bandas no sean solo post punk, garage rock, pop/rock, dance rock y pop barroco respectivamente.

Podemos concluir entre pinzas que el Indie es un género musical cuyo sonido se desprende principalmente del post-punk de los 80s, pero que incluye diversos subgéneros que van desde el pop hasta el rock destemplado.

The Strokes - Is This It (2001)

"Things, they have changed

In such a permanent way

Life seems unreal

Can we go back to your place?

Oh, 'You drink too much'

Makes me drink just the same"

Qué iba a ser de la música en el nuevo milenio era una pregunta abierta desde los noventa, que habían arrancado innovadores y agresivos pero habían terminado empaquetados y sin expresión, con boybands y solistas pop dominando las listas radiales. ¿Esto es todo? (imposible hacer el juego de palabras con Is This It, la traducción es complicada)

Con ensayos en la ciudad de Nueva York desde 1998, Los Strokes empezaban a conformarse. Cinco muchachos con un EP que se arriesgaba a cambiar las reglas: un sonido bastante lo fi y ruidoso, ritmos rockeros y poco cambiantes y una lejanía con el sentimiento de la canción. Meses después sacarían su primer longplay con algunos cambios, pero el sonido singular se mantendría intacto.

A los elementos del garage rock como la métrica de 4/4 en los once temas, guitarras ruidosas en primer plano, una voz que canta fuerte en los estribillos y un sonido a primera escucha poco pulido, se le suma el post punk: esas mismas guitarras ruidosas se vuelven ansiosas e intranquilas, la batería y el bajo aportan un ritmo parejo pero abrupto y la voz filtrada de Casablancas, que parece no importarle ninguna opinión.

Las estrofas son simples, con pocos arreglos e incluso con baterías acústicas que emulan ser electrónicas. Las canciones explotan en los estribillos y los solos de guitarra que no cansan y aparecen en los momentos indicados.

El sonido crudo ya característico de los Strokes es lo que hace tan original al album. Una grabación simple, con pocos micrófonos, pocos efectos de guitarra y pocas tomas en general, con los integrantes tocando a la vez cual si fuera un recital en vivo. Las baterías de Moretti poseen pocos fills y cuando los hay, prefiere ser cauto. El bajo de Fraiture pocas veces sale de marcar la tónica del acorde, siempre siguiendo el ritmo cansino de la batería. Albert Hammond y Valensi intercambian los roles de melódico y estresado, siempre uno a la derecha y otro a la izquierda de la mezcla.

El disco va de menor a mayor. Empieza con una balada homónima, la única en la lista. El inicio de la canción anticipan la simpleza que recorre el album con una base batería clásica de rock y una guitarra acorcheada. El bajo aparece después del primer estribillo con una contra-melodía, inusual en el álbum. En “The Modern Age” y “Someday” podemos encontrar la increíble función rítmica que cumplen las guitarras en la banda, casi metiéndose en el rol de la batería, la banda parece seguir a Hammond y Valensi

Pasando el Ecuador de la lista aparece el segundo single y el mayor hit del álbum, “Last Nite”. La canción, como muchas de los Strokes, se constituye de a poco, sumando instrumentos cada 2 ó 4 compases. Esta vez empieza la guitarra de Valensi, después Moretti y posteriormente una guitarra doblada de Hammond. Por último se suma Fraiture, subiendo más y más la tensión que desemboca en la potente voz de Casablancas, retratando a un joven irritado con su novia. Es redundante pero necesario aclarar que otra vez la canción es impecable gracias a los arreglos rítmicos de cada instrumento sumado a la melodía pop de Julian Casablancas. Cerca del final se encuentra “New York City Cops”,  canción retirada en la versión estadounidense debido a que se podía mal interpretar la letra, que hablaba de la estupidez de los policías neoyorkinos poco después del atentado del 9/11 (también se cambió la tapa del disco, evitando la controversia por nudismo que había tenido la versión inglesa.)

“Los Salvadores del rock” (así titulados por la prensa) dieron un gran puntapié al sonido de los 00’s. Su revival del post punk influenció a bandas como Interpol, Franz Ferdinad o The Killers mientras que por el lado más garage, Arctic Monkeys y The Libertines tomaron la faceta rockera.

1. Is This It
2. The Modern Age
3. Soma
4. Barely Legal
5. Someday
6. Alone, Together
7. Last Nite
8. Hard to Explain
9. New York City Cops/When It Started
10. Trying Your Luck
11. Take It Or Leave It

3 Temas: “Barely Legal”, “Hard to Explain”, “Last Nite”

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The Who - Who's Next? (1971)

"Pick up my guitar and play
Just like yesterday
Then I'll get on my knees and pray
We don't get fooled again"

Es 1971 y por las calles de las nueve regiones de Inglaterra se repite que en el mundo del rock existen sólo tres bandas: Led Zeppelin, Black Sabbath y Deep Purple. El rock sinfónico está apareciendo, alejándose de los cánones típicos del rock and roll por culpa de nuevos instrumentos como el sintetizador y técnicas de grabación novedosas. Pero, ¿algún grupo se animaría a abrir su disco con dos sintetizadores sonando solos por 1 minuto y aun así pertenecer al grupo del hard rock?

The Who lo hizo. Y más. La clásica intensidad de la banda se fusiona con la madurez alcanzada por los músicos para crear el mejor disco de su carrera.
La historia del cuarteto de Londres tiene su origen en el rhythmn and blues tan popular de la década de los 60s, al cual ellos le sumaban su cuota humorística y excéntrica. Discos donde una mujer tiene un rapidito con un conductor de trenes; Tommy, el niño sordo, ciego y mudo que es excelente jugando al pinball y hasta canciones sueltas como “Mary Anne with the Shaky Hand”, y las cosas que ha hecho Mary Anne y su mano “temblorosa” a los hombres.

Pero en Who’s Next? llega el apogeo de los 4 miembros. Moon elabora fills más inteligentes y con menos golpes, calmando (un poco) su locura, Entwistle, siempre excepcional en su faceta con las 4 cuerdas, compone una de las mejores canciones del disco con “My Wife” sin dejar su humor de lado, Daltrey logra ser uno con el grupo, entendiendo que su voz es común, pero su vigor no, y Townshend, el principal compositor de la banda, decide hablar en primera persona y mostrar lo que siente en vez de soltar humoradas.
Otro ejemplo de la madurez de la banda es la dinámica de las canciones. Las composiciones explotan en momentos indicados, generando clímax que se crean gracias a la contraposición de partes tranquilas. La banda sabe ser suave cuando tiene que serlo, lo que genera una sorpresa mayor cuando surge la potencia.

El disco es un soft hard rock (término acuñado, patente pendiente), no es tan fuerte ni progresivo como Deep Purple, está lejos del heavy metal de Black Sabbath y tiene pocas insinuaciones al blues rock de Led Zeppelin. Aún así, tampoco tiene una reticencia pop, siendo difícil de catalogar.
“Behind Blue Eyes” se destaca siendo una de las pocas baladas del grupo, aunque por poco tiempo, Townshend no puede traicionarse a sí mismo y decide hacer explotar la canción pasado el minuto 2, quizás intentando que la gente le pusiera atención a la música, tapando así sus versos personales, donde se destapa la presión que tenía al ser el principal compositor de letra y música. A esta presión se le suma su ambición por hacer operas-rock, complejas canciones unidas por conceptos que tenían que tener un sentido y una interacción entre sí. Townshend había fracasado y abandonado el proyecto Lifehouse en el año 1970 pero con los restos construiría los cimientos de Who’s Next?

El cierre del disco lo conduce "Won’t Get Fooled Again", el tema más largo del disco, pasando los 8 minutos de duración. De vuelta con un sintetizador, esta vez cambia su timbre a medida que va quitando y agregando frecuencias agudas. A diferencia del track #1 esta vez solo tarda 30 segundos en entrar la banda. La letra y la música compiten constantemente por ganar la atención del oyente, lo que conlleva a una de las mejores canciones de la historia: en medio de riffs de bajo, incanzables fills de batería y potencia en acordes de guitarra, la voz de Daltrey relata una revolución: cuando se necesite un cambio, la sociedad luchará por él, pero rezando que no sea lo mismo de lo que se está escapando (“Meet the new boss, same as the old boss”)

Lado A

1. Baba O’Riley
2. Bargain
3. Love Ain’t for Keeping
4. My Wife
5. The Song is Over

Lado B

1. Getting in Tune
2. Going Mobile
3. Behind Blue Eyes
4. Won’t Get Fooled Again

3 temas: “Baba O’Riley”, “Bargain”, “Won’t Get Fooled Again”

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Sobre la cumbia y la emergente cumbia pop

La cumbia es un ritmo popular nacido en Colombia con la combinación de la música autóctona y de inmigrantes africanos (con una pizca de colonizadores españoles). Con auge en los años 60, siempre tuvo una segunda casa en Argentina, como en varias partes del continente. 

Si bien empezó abandonando la instrumentación clásica del género tropical, se combinaba con ritmos propios del país, como el tango o el chamamé, lo que lo fue haciendo cada vez más singular.

A finales de los 70s y comienzos de los 80s comienzan a aparecer los primeros lugares para bailar música tropical, incluida la cumbia. Estos lugares eran más informales que los recintos donde se bailaba el folklore típico de la región y eran mal vistos por las clases más altas.

Las letras típicas de estas cumbias contaban historias de mal de amores, infidelidades y rupturas. La instrumentación tenía semejanza con el folklore: mayoritariamente los vientos y las guitarras limpias eran los encargados de hacer los riffs de entrada y salida de la canción. Si no, el acordeón o los teclados  eran los reemplazantes.

Ya a principios de los 90s la cumbia tomó más popularidad, sonando cada vez más en radio y con programas de televisión exclusivos al género. Contaba con exponentes como Ricky Maravilla, Gilda o  Alcides y bandas como Amar Azul, Ráfaga, Los Palmeras.  La guitarra y la percusión fueron tomando más preponderancia mientras que el acordeón y los teclados dejaron el primer plano. El sonido del sintetizador, que permitía tener muchos timbres con un solo instrumento sería uno de los instrumentos clásicos de la nueva cumbia argentina. Las letras nuevamente hablaban de pasión y desamor.

Con la crisis del nuevo siglo nace en los barrios más pobres la cumbia villera, con bandas como Damas Gratis,  Pibes Chorros, Supermerk2 y Yerba Brava (esta última otorga el nombre al género con su primer disco). El cambio más radical se produce en la lírica, los temas a tratar son la pobreza, la marginalidad, el desempleo, el alcohol y la delincuencia con una jerga cruda y callejera. El odio a la policía y la oda a las drogas hicieron que la cumbia sea aún más marginada por la sociedad, que la veía casi como no-música hecha por y para clases bajas sin educación.

Entre el 2009 y el 2010 empiezan a tomar fama las bandas Los Totora y Agapornis. Las canciones que sonaban en la radio y en sus recitales eran covers de temas de cumbia romántica o reversiones de canciones pop con bases e instrumentación cumbieras.

Esta característica de versionar canciones famosas (“Fuego de Noche” de Ricky Martin y “Como Yo Nadie te ha Amado” de Bon Jovi por parte de Los Totora y “Persiana Americana” de Soda Stereo y “Si te vas” de Shakira en el caso de Agapornis, por citar algunas) le quitó el prejuicio a la cumbia ya que estas canciones eran cantadas por las clases bajas, medias y altas.

Otra particularidad es que los integrantes de las bandas venían de familias pudientes, habían asistido a prestigiosas escuelas y hasta algunos de ellos practicaban rugby, contrariamente a lo popular de los artistas de la cumbia.

En Uruguay, las bandas Rombai, Marama y Toco para Vos continuaron la ahora llamada “Cumbia-Pop”, que tuvo su explosión en 2014 y 2015. También provienen de familias medias y altas (los Rombai se conocieron en una universidad privada de Uruguay) pero a diferencia de Agapornis y los Totora, estas bandas orientales componen muchos de los temas que suenan en vivo. Las letras son de amor, pero a diferencia de las cumbias típicas, estas cuentan historias de efímeros amores de verano. Son alegres, optimistas, llenos de felicidad. Los videoclips que acompañan estas canciones tienen mucha similitud con los de los artistas estadounidenses de Pop y Rhythm and Blues contemporáneo: fiesta, yate, quinta y mucho romance juvenil. Además del arte visual, musicalmente toman mucho del pop electrónico y del reggaetón.

Con las redes sociales y Youtube como parte de la vida normal, estas bandas siguen expandiéndose en cada computadora: “Era Tranquila” de Marama fue publicado el 29 de diciembre del 2015 y en los primeros días de febrero ya tiene casi 17 millones de reproducciones. “Yo te propongo” de Rombai fue lanzado unos días antes y lleva 22 millones de reproducciones.

Nuevas agrupaciones siguen saliendo (Vi-Em, Canto Para Bailar), cada una con su mantra post estribillo para que no nos olvidemos de sus nombres: “Esto es, ¡Toco para Vos!”, “Rombai, ¡de fiesta!”, “¡Baila nena con Marama!”. Quedará por verse si con el paso del tiempo perdurarán las bandas o solo sus slogans.

Babasónicos - Miami (1999)

“Todos en el mundo somos grasa
No hago distinción de sexo y raza
Sólo que unos lo disfrutan
y otros no pueden evitarlo”

“Somos el primer mundo” decía Carlos Menem, presidente argentino en el período 1989-1999, y principal vaciador del Estado en esa década. Teléfonos, energía, aerolíneas, ferrocarriles, agua y televisión fueron otorgados a manos privadas y el dinero recibido no fue a parar a hospitales, educación o más trabajo, si no a los bolsillos de los más poderosos. Con la convertibilidad y la alianza con Estados Unidos aparecieron los productos importados, los viajes a Miami, lo grasa y el concepto de “Pizza con champagne”

Quizás la mejor representación de la época sea Miami (1999), que en su presentación nos pinta una Argentina de negro y caída que imita y compone al país norteamericano, con Misiones transformada en Florida. Afortunadamente el disco no se queda en eso, a lo largo de sus 18 canciones compuestas de trip hop, boleros, rock alternativo y psicodelia nos cuenta con (a veces no tanto) crípticas letras su repulsión al capitalismo imperialista.

Lo alternativo se volvería mainstream con el pasar de la década, y esta evolución la vivirían los mismos Babasónicos, que lanzaron su primer disco en 1992, teloneando en ese mismo año a Soda Stereo, sus padrinos musicales. Después de eso, seguirían en el ambiente underground del rock teloneando también a grandes bandas como INXS y U2, aunque cada vez experimentando más con los géneros, funk, soul y hasta stoner rock en Babasónica (1997), pero sin perder la influencia de las bandas Baggy/Madchester de Inglaterra de finales de los 80s y principios de los 90s. Después de la búsqueda más osada en el álbum anterior, dejarían el stoner para volver a las raíces alternativas/experimentales afrontando las composiciones con más madurez.

El art rock está plagado en todo Miami. A pesar de su largo tracklist, encontramos muchos climas, la instrumentación es variada así como los efectos y su producción. Los violines, saxos, flautas, xilofones, trompetas y la extensa atención en las voces sumado a los infinitos timbres que proponen los sintetizadores son fundamentales en darle una personalidad diferente a cada canción.La psicodelia rocía el álbum y funciona como nexo entre las bases hiphoperas (“Paraguayana”, “Bardo de Estrella”) y las baladas pop (“Valle de Valium”, “Casualidad”), además del tinte mexicano (“Desfachatados”, “Colgado”)  ya común en Babasónicos.
Esto crea la diferencia con los discos anteriores: si bien el eclecticismo entre los tracks sigue presente, Miami se siente más homogéneo y las canciones se perciben como familia unas con otras por más que el contraste sea notorio.

Miami sería el punto de inflexión en la banda: A partir de aquí encontrarían su sonido característico, pero tomarían un camino cada vez más cercano al pop, dejando de lado el rock sónico típico de sus primeros álbumes. DJ Peggy, que había estado en la banda desde su segundo disco, dejaría la banda en el 2000 por diferencias artísticas. 

Los arreglos serían cada vez más simples (con comparar las baladas pop posteriores con las de este álbum es suficiente) pero las ventas subirían, su álbum Mucho (2008) sería el primero en Latinoamérica en ser lanzado por celular y además contendría canciones en videojuegos como “Microdancing” presente en el Pro Evolution Soccer 2011.

1. 4 AM
2. Desfachatados
3. El Ringo
4. El Sumum
5. La Roncha
6. Paraguayana
7. Valle de Valium
8. Bardo de Estrella
9. El Playboy
10. Drag Dealer
11. Gustavo Show
12. Combustible
13. Charada
14. Grand Prix
15. Colgado
16. Mal viaje
17. El Shopping
18. Casualidad

3 temas: “4 AM”, “El Shopping”, “Casualidad”.

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