Rompo todo lo que soy

En un momento clave de la historia argentina, Wos publicó Caravana, su álbum debut donde logró interpelar a toda una generación.

En los tiempos de hoy en día, un disco puede durar menos de 20 minutos. La era del on demand, el contenido descartable y el single como carta de presentación actualizable arrinconan a Wos en la máquina trituradora que se convirtió la industria. Sin embargo, sin desentenderse de esto, el rapero logra estampar su marca y ser la voz de una generación en un estilo musical que ya es mainstream.

     “Y no hables de meritocracia, me da gracia, no me jodas / que sin oportunidades esa mierda no funciona” dispara en “Canguro” mientras representa a millones de personas y pone en primer plano al que “cobra dos monedas al mes pa’ mantener cuatro personas”. Si bien este es el único tema englobado en el género conscious hip hop, tiene el peso de abrir Caravana y también de haber sido elegido como el primer corte de difusión, con un video donde el freestyler interpreta tanto al emisor como al receptor de las críticas sociales.

     El hip hop, originario de Estados Unidos a mediados de los ’70, se convirtió en el género musical con más reproducciones en streaming en el país norteamericano en 2017, venciendo al rock y al pop, y desde ahí no perdió la corona. Esta tendencia se puede empezar a ver a nivel mundial, y si bien en Argentina a fines de los '90 se encontraban grupos como El Sindicato Argentino del Hip Hop y Bola 8, las batallas de gallos tuvieron un crecimiento exponencial a medida que la década avanzaba y lograron poner a la doble hache en la música preferida de los adolescentes.

     Wos nació de las batallas de improvisación en plazas (particularmente del Quinto Escalón) y esta disciplina se convirtió en su recurso principal a la hora de componer letras. Así es que tanto en “Canguro” como en las otras seis canciones del trabajo, Valentín Oliva expone su inconsciente sobre una beat de boom bap o de trap a cargo de su productor musical, Facu Yalve (A.K.A.. Evlay) y de ahí germinan las temáticas que termina abordando.

     Entre calambures y técnicas de one two, también podemos encontrar agresividad vocal. Tres claros ejemplos son “Luz delito”, un rap rock de materia ateísta cuya referencia a los Redonditos de Ricota se hace explicita al tomar el riff de “Luz Belito” y  “No va a bajar”, el trap estimulante y narcótico que da el cierre a la obra. “Pantano” es el más classic hip hop, con una base a tempo lento y bien minimalista donde la cadencia de la rima se vuelve viscosa.

     Si bien lo que hila el álbum son sus timbres de producción más que los tópicos de las letras, el amor parecer ser –a veces explícita y otras implícitamente- lo que amalgama los distintos tracks. “Fresco” y “Okupa” revelan los pensamientos más frágiles de Valentín, pero sin dudas “Melón vino” desviste sus sentimientos más delicados, cantando “Cuando miremos y no entendamo’ / Nada de todo lo que ahora vemo’/ Voy a quedarme con vos al lado/ Cuando todo se nos ponga feo”.

     El pasaje del estudio al recital es una experiencia rockera. Con una banda formada por batería, bajo, teclado y guitarra (tocada por Ca7riel), con quienes agotó dos Groove en la presentación oficial del disco, la potencia arriba del escenario sobrepasa a las grabaciones y deja otra impresión al público, ya acostumbrado a ver a los artistas de la escena del trap/rap cuyos shows constan del cantante y todas las pistas sonando atrás (a veces, incluso la propia voz líder).

     Contrariamente a lo que puede suceder con Super Sangre Joven, la placa debut de Duki, uno de los traperos más populares actualmente, Caravana no suena a un rejunte de singles. Aunque esto es una virtud, el disco se siente corto al sólo presentar cinco temas nuevos e incluso podría tener mejores composiciones (se lo ha visto improvisar mucho mejor al “pibito de la plaza”) o beats más potentes. Estas características se vieron en los sencillos previos al material de estudio, como “Púrpura”, con su base de combativa base de trap o “Andrómeda”, la canción con las mejores barras de Wos.

     Caravana es una peregrinación que no tiene miedo en llevarse puesto cualquier estándar preestablecido. Es la voz de una generación que, con su andar irreverente, viene a cambiar todo, a derribar estructuras sociales, imposiciones sentimentales y mecanismos políticos. Incluso en el plano musical logra inmiscuirse en las venas del rock nacional y ya ser considerado un pilar más de la música argentina. Porque como dijo Wos: no importa el género, si no lo que genera.

Vos siempre cambiando, ya no cambiás más

Un repaso por la extensa carrera de El Cuarteto de Nos que con sus particulares letras cautivó a toda Latinoamérica.

¿Qué cuarteto está compuesto por tres integrantes?  El oxímoron que se desprende del nombre de la banda, formada por el compositor principal Roberto Musso en voz y guitarra, Ricardo Musso en guitarra y coros, y Santiago Tavella en bajo, es la primera pista para entender a estos uruguayos que comenzaron su carrera musical a principios de los ochenta con canciones satíricas, irónicas y con mucho humor absurdo.

Los hermanos Musso no solían ocupar sus tardes en salir a jugar al futbol, ni sus noches en recorrer bares o boliches. En vez de eso, prendían un grabador e inventaban un programa de radio en una ciudad ficticia que traía invitados bizarros con situaciones surrealistas, como Andamio Pijuán, que se bañaba siempre en alquitrán, o Juan Bojorge Ocorbojón, que nunca pudo acertarle a una tirada de balero.

Al conocer en el liceo a Santiago Tavella, otro músico que tenía el mismo sentido del humor que ellos, decidieron tocar juntos. No fue hasta conocer las composiciones extrañas de Leo Maslíah que se animaron a ponerle palabras a sus armonías y así editaron su primer longplay, en el año 1984, compartido con Alberto “Mandrake” Wolf bajo el sello Ayuí. Musicalmente, el Cuarteto se ampararía en el post punk de los Clash mezclado con melodías del jangle pop de los Smiths.

Cuatro años más tarde, y ya con Álvaro Pintos como baterista fijo, logran tener su primer LP propio, Soy una arveja. En él y en los dos siguientes (Emilio García de 1989 y Canciones del corazón de 1991) cobran vida los personajes inventados en aquella radio, junto con otros aún más polémicos, como el que aparece en “Enamorado de un pollo” donde el yo lírico se lamenta porque el amor que le tiene al ave no es correspondido, o “El deforme”, una persona que pide por su muerte ya que nació desfigurado en todo su cuerpo.

El contexto social avalaba estas expresiones tan extremas: la dictadura uruguaya extendida entre 1973 y 1985 dejaba a una juventud hambrienta por manifestarse y los temas previamente censurados sin sentido (como “Crece la croqueta”, una inédita del Cuarteto que habla de… una croqueta que crece) podrían ver la luz sin problemas. Las presentaciones en vivo del cuarteto eran igual de insólitas que sus canciones: disfrazados de viejas, emitían chistes asquerosos y comentarios revulsivos.

El boom y la masividad en Uruguay llegaría con Otra navidad en las trincheras, editado en 1994 Ante la indiferencia de Ayuí al editar Canciones del corazón solo en cassette (omitiendo el clásico vinilo y el naciente CD), el álbum subsiguiente fue concebido con total independencia artística. A pesar de la paupérrima tapa (una foto con disparador automático) Otra navidad  fue disco de platino en apenas seis meses.

“Ta, grabemos cualquier cosa, total, ¿quién lo va a escuchar?” diría Ricardo Musso en “Otra Navidad en las trincheras” el libro de Ignacio Martínez que analiza la placa, en su momento la más vendida en Uruguay. Ese “cualquier cosa” sería el nacimiento de una de las características más principales del cuarteto, la mezcla de los géneros. Desde el punk rock de “El primer oriental desertor” y el vals de “Manfreddi” hasta el trance electrónico de “El putón del barrio” y el protoreggaeton de “El calzoncillo a rayas”.

Sus próximos cuatro materiales de estudio (Barranca abajo, El tren bala, Revista “¡Esta!”  y  Cortamambo) amplificarían este amalgama de estilos agregando más condimentos a la sopa de canciones. En cuanto a las letras, lo asqueroso e incongruente se transformaría en cómico y delirante, tratando situaciones como un amorío con una vampira, estar a favor de matar las ballenas, o la eterna discusión entre uruguayos y argentinos por la nacionalidad de Gardel, determinando que el famoso tanguero era peruano.

La única carencia que tenía la banda era la calidad del audio. Si bien en los primeros trabajos no se podía esperar mucho por el equipamiento precario que tenían los estudios en su momento, los discos de los 90s no tenían el espectro de frecuencias cubierto de forma pareja, logrando así un sonido débil. En el 2004 la banda decide renovarse y trabajar por primera vez con un productor, eligiendo a Juan Campodónico (conocido por su trabajo en Sea y Eco de Drexler) para regrabar un grandes éxitos y modernizarse en el sonido.

Así como Otra Navidad en las trincheras los disparó a la masividad en el país charrúa, Raro (2006) sería la catapulta para Latinoamérica entera. En este disco abundan las guitarras flacas del indie rock de los Strokes y los Libertines, que se cruzan con un Roberto Musso apretando todas las sílabas posibles en su inédito rapeo. En su nuevo estilo letrístico, Roberto aborda las contradicciones personales y canta en primera persona situaciones cotidianas pasadas por su constante filtro irónico “Yendo a la casa de Damián”, y “Ya no sé qué hacer conmigo” comenzarían a ser los nuevos himnos en esta nueva mutación de los montevideanos.

En medio de su primera gira a Colombia, Chile y Paraguay, Roberto Musso seguiría afilando su pluma rapera, para meter la mayor cantidad de palabras posibles, quitándole espacio a otros instrumentos. Esto causaría el alejamiento de su hermano Ricardo Musso de la banda luego de Bipolar (2009), argumentando que “Ya no había lugar para tocar la guitarra”. Tras la partida de “Riki”, el ya establecido cuarteto necesitaría una pata más para seguir su camino.

Casi como una ironía más, Santiago Marrero y Gustavo Antuña se sumaron a la banda en teclados y guitarra, respectivamente, formando un quinteto. Esta nueva formación seguiría empujando la roca del rap-rock de Raro y Bipolar  en sus próximos dos discos Porfiado (2012) y Habla tu espejo (2014). Este último sería el primer álbum en contener solo canciones de Roberto, a la vez de ser el más introspectivo y personal, llegando a hablar del nacimiento de su hija y el alzheimer de su madre.

Con viajes ya anuales a toda América del Sur y México, y con varias nominaciones y premiaciones en los Grammy Latino, El Cuarteto parece no tener techo. Luego de Apocalipsis Zombi (2017), donde Roberto critica al sistema, este año lanzarán su decimosexto álbum Jueves grabado en el icónico Sonic Ranch con cuatro productores diferentes. Siguiendo con su estilo, no debería sorprendernos que el disco saliera un viernes.

30 Canciones de 2017 (3/3)

 Paramore - Hard Times (After Laughter)




Luca Bocci - Bahía(Ahora)


Alt J - In Cold Blood(Relaxer)


Pez - 1986(Pelea al horror)


Steven Wilson - Pariah(To the Bone)


Juancín - Dortmund(Planeta)


Harry Styles - Kiwi (Harry Styles)

Los Besos - Helados verdes (Helados verdes)


Phoenix - Fior de Latte(Ti amo)


Juana Molina - Cosoco (Halo)

30 canciones de 2017 (2/3)

 LCD Soundsystem - American Dream (American Dream)




Los Espíritus - Jugo (Aguardiente)


Roger Waters - Smell the Roses (Is This The Life We Really Want?)


Miranda! - Cálido y rojo (Fuerte)


Foo Fighters - The Sky Is A Neighborhood (Concrete and Gold)


Turf - Hablo solo (Odisea)


Lana del Rey- Groupie Love (Lust for life)



Impulso - Otra vez (Los mismos de siempre) (Eso que no dijiste)




Mac de Marco - For the First Time(This Old Dog)




Bestia Bebé - ¿Dónde están mis amigos?  (Las pruebas destructivas)

30 canciones del 2017 (1/3)

 Arcade Fire - Put Your Money On Me (Everything Now)




Charly García - Lluvia (Random)


Royal Blood - Lights Out (How Did We Get So Dark?)


Usted Señalemelo - Big Bang (II)


Lorde - Liability (Melodrama)


El Cuarteto de Nos - La Bestia (Apocalipsis zombi)


Queens of the Stone Age - Feet Don't Fail Me (Villains)

Él mató a un policía motorizado - Ahora imagino cosas (La síntesis O'Konor)


Gorillaz - Saturn Barz (Humanz)


El Bordo - Corazones olvidados (El refugio)

A medio siglo de la primera metamorfosis del rock y el pop (parte 1 de 3)

El rock era joven, los 60s habían empezado a pintar los primeros colores de los frescos trazos que habían dibujado los adolescentes a mediados de la década anterior. El condimento pop se agregó en 1962 con la música beat de Liverpool; se animaría el folk a enchufarse en 1965; y se conformaría (gracias a las drogas) la música psicodélica en 1966. Sin embargo, en el año del Verano del Amor se generaría la fusión de todos estos géneros y timbres, plasmándose en trazos vinílicos.

Aquí, los lanzamientos más importantes de 1967, álbums debuts y obras cumbres que quedarían en la historia e influenciarían por 50 años a artistas en todas partes del mundo.

04/01/1967 The Doors – The Doors

Grabado en sólo una semana en agosto de 1966, el LP debut del grupo americano abre el año demostrando la psicodelia que ya se vivía en todo Estados Unidos. Llenos de ácido (el nombre pertenece a un ensayo de Huxley acerca de experiencias con alucinógenos), el álbum contiene hits como “Break on through”, “Light my fire” o “The End” cuyas letras rondan lo surreal y lo lisérgico. El órgano (Manzanarek) funciona como principal compañero de las letras (Morrison) para llevar al oyente en un viaje hacia el otro lado.
La banda -que no contaba con bajista- ampliaría su sonido psicodélico del oeste de Estados Unidos por 5 discos más hasta que la súbita muerte de su cantante Jim Morrison los dejara a la deriva. Los miembros restantes seguirían sin éxito por unos años más hasta disolver la banda.

20/01/1967 The Rolling Stones – Between the Buttons

Between the Buttons encuentra a los Rolling Stones alejados del R&B que los había hecho tan famosos para afirmar su etapa más pop que se había manifestado en su álbum anterior Aftermath. Lógicamente con el toque psicodélico de la época -¿quizás en ese estado se encontraba Brian Jones en la tapa?- pero sin los singles “Ruby Tuesday” o “Let’s Spend the Night together”, Jagger y Richards juegan a componer todo un disco de una forma más suave, con melodías y coros cercanos a los Beatles o a los Kinks.
Si bien “Connection” o “Yesterday’s Papers” son simples, el disco se beneficia de la gran capacidad del guitarrista Brian Jones para tocar diversos instrumentos, como el saxo, la armónica y el piano. Después de 1967, los Stones pasarían a su última fase de Blues Rock para permanecer allí hasta el día de hoy.

01/02/1967 Jefferson Airplane – Surrealistic Pillow

El segundo disco de esta banda estadounidense profundiza su mezcla de folk y psicodelia que había empezado el año anterior, aunque sin la cantante Grace Slick. Si bien el album contiene el potente “Somebody to love”, que fue lanzado como primer single, no descansa en él y hace justicia a su título para jugar más con los climas en temas como “She Has Funny Cars” o el clásico “White Rabbit”.
Se percibe el rock ácido como en los Doors, pero con un contrapeso de folk rock estilo The Byrds, con baladas como “Today” o “Comin’ Back to Me”.
Jefferson Airplane seguiría amalgamando estos dos géneros por cinco años más, cuando, en un descanso por la maternidad de Slick, la banda se convertiría en Jefferson Starship y viraría al pop y al AOR de fines de los 70s.

20/02/1967 The Byrds – Younger Than Yesterday

En 1966, los Byrds habían sufrido la censura de su tema “Eight Miles High” por connotación a las drogas en su letra. No sirvió de mucho ya que al año esta banda de enérgicas guitarras sacaría “Younger Than Yesterday”, un álbum donde sobrepasarían la psicodelia para jugar con la ciencia ficción: Al eco, delay y reverb de las guitarras típicas de la psicodelia, le agregarían efectos electrónicos y de manipulación cinta (“C.T.A – 102” y “Mind Gardens”).
La banda que había empezado haciendo covers de Bob Dylan (Younger... contiene una versión de “My Back Pages”) seguiría por el camino del solista, mezclando folk y country mientras alternaban algunos miembros de la banda. El último disco de la banda liderada por Roger McGuinn sería en 1973, meses antes del asesinato de su guitarrista Clarence White.

12/03/1967 The Velvet Underground – The Velvet Underground & Nico

En el disco debut con más influencia en la historia del rock, la banda que tenía a Lou Reed en la composición y a Andy Warhol en la producción decidió llamar a la modelo alemana Nico a que cantara con ellos. Una batería por demás simple, guitarras desafinadas y ruido construyen este disco grabado en sólo dos días, que se aleja lo suficiente de la psicodelia para hacer algo más experimental y artístico.
Las letras crudas (Además de “Heroin”, “I’m waiting for my man” habla de un dealer de heroína y “Venus in furs” habla de sadomasoquismo) y la forma “amateur” de tocar despertaron ideas y admiración en artstas como David Bowie, Pixies, The Stooges, U2 o The Strokes.
La velvet seguiría experimentando por unos años más hasta que en 1970 Lou Reed dejaría la banda para seguir su carrera en solitario abocado al glam rock.

17/03/1967 The Grateful Dead – The Grateful Dead

Si hay un disco que no le hace justicia a lo que una banda solía tocar en vivo, es el debut de Grateful Dead. Grabado en 4 días, ninguno de los músicos conocía a fondo los estudios y el grupo era todavía inexperto. En sus conciertos la banda solía extender sus canciones (en el LP sólo dos tienen la autoría de algún miembro de la banda) zapando sobre ellas. Al sello no le convenció esto para la grabación y recortaron muchos temas, haciéndolos más amenos para la radio.
Después del disco homónimo cargado de blues y de rock, el grupo liderado por Jerry García seguiría jammeando -esta vez, también en grabaciones- y recorrerían un camino largo cargado de música estadounidense, folk, country y bluegrass. Después de la muerte de García en 1995 la banda se disolvería y los restantes músicos seguirían sus carreras  solistas

29/04/1967 The Turtles – Happy Together

La famosa canción homónima lanzada 3 meses antes del álbum contiene lo más importante de la placa (y de la banda), que dispara felicidad gracias a un sunshine pop muy bien logrado. Cabe destacar que de las 11 canciones que componen el disco sólo 4 fueron escritas por miembros de la banda, aunque esto no quita mérito a la elegante voz de Howard Kaylan ni a los afinados coros de Mark Volman.
The Turtles se beneficiaba más de los lanzamientos de sencillos que de  los álbumes de larga duración, sin embargo, en éste lograrían condimentar su pop con la psicodelia de la época para lograr su mejor LP. A raíz de este éxito, la banda empezaría a rellenar sus discos con más canciones propias y menos ajenas. Sin la recepción esperada, la banda se separaría en 1970 y el sello discográfico debería cerrar a causa de esto.

12/05/1967 Jimi Hendrix Experience – Are You Experienced?

El guitarrista que revolucionó todo con su sonido y su forma de tocar conseguiría su éxito en Inglaterra, después de no encontrarlo en su Estados Unidos natal. Are You Experienced? Comienza a gestarse cuando Chas Chandler de The Animals une a Jimi con Redding y Mitchell para hacer uno de los tríos más intensos de la historia.
El disco, escrito en su totalidad por Hendrix, se puede dividir en tres partes iguales: rock psicodélico, blues rock y hard rock. A las escalas blueseras aprendidas por Jimi en su juventud se le suma el hard rock que le nacía de sus adentros. Incorporan la psicodelia  sin teclados, organos o sintetizadores gracias a efectos de inversión de batería y guitarra, pedales de guitarra originales y la generación de climas nebulosos a raíz de tener solo tres instrumentos.
Los tres discos grabados en dos años contienen el mismo valor músical y de innovación que proveía la Jimi Hendrix Experience. El 18 de septiembre de 1970, entre frustaciones y desiluciones, Jimi Hendrix moría al asfixiarse con su propio vómito.

Sobre el indie y su significado

La efímera popularidad y efervescencia del punk en los años 1976 y 1977 sentó ideas que perduran casi medio siglo después. En esa época de crisis económica y pobreza, la sociedad empezaba actuar con el lema del “do it yourself”, creando o reparando sólo lo que se necesite, a bajo costo, mientras se aprendía el oficio. Las bandas de rock empezaron a tener sus propios sellos, financiar sus propios discos y encargarse de la distribución de los mismos. Esta filosofía anti capitalista, al no estar manejada por expertos en el área, bajaba los estándares de calidad: el sonido final era desprolijo, la repercusión era menor y la promoción era boca a boca.

Esto nos lleva a la primera definición de indie, una banda que edita su disco en un sello discográfico independiente. Algunos ejemplos son:

1. 4AD (fundado en 1980) editó a Bauhaus (1980), Dead Can Dance (1985) y Pixies (1987).
2. Sub Pop (fundado en 1986) editó a Nirvana (1989), Dinosaur Jr (1990), y Soundgarden (1990).
3. Matador (fundado en 1989) editó a Pavement (1992), Yo La Tengo (1993), The Fall (1993).

Una nutrida cantidad de grupos de distintos sellos independientes tomaron la música punk y decidieron darle una vuelta de tuerca. Los nuevos géneros "post punk" y "new wave" no tenían una forma definida y su vez era dificil diferenciarlos, siendo términos intercambiables a fines de los 70s por críticos y músicos. Ambos estilos querían transformar la simpleza de los tres acordes del punk en un movimiento más complejo y experimental. De este ímpetu de evolución surgieron bandas como Talking Heads, Joy Division, Devo o Duran Duran.

Ya en los 80 y en plena lucha con el synthpop reinante en todas las radios (y en un MTV que daba sus primeros pasos) se empieza a formar el término de "indie pop", en parte gracias a cassettes recopilatorios hechos por la revista New Musical Express. "C81" es el título del primer combinado publicado en enero de 1981, el cual tenía 25 artistas pertenecientes a sellos independientes haciendo 25 canciones pertenecientes a estos nuevos géneros aparecidos después de punk.
El indie pop tenía sus bases en los Beach Boys, la Velvet Underground y los Beatles, con los punteos de guitarras y la ansiedad tomada del post punk, los rasgueos del jangle pop y las melodías vocales de los sesentas. Era frágil, pero contrariamente tomaba la crudeza y energía del punk.

The Clean - Tally Ho (1981)

Orange Juice - Simply Thrilled Honey (1980)

Durante la década de los 80s se empezaría a englobar la música no mainstream (que había luchado contra el Disco, el Post Disco, el Synthpop y el Glam Rock) como música alternativa, es decir, música que no ocupaba los puestos altos de la radio y pertenecían a movimientos contraculturales. Esta designación de rock alternativo englobaba al indie mientras que sumaba subgéneros emergentes como el rock gótico o el jangle pop.
Tal sería la fama que alcanzaría el rock alternativo que se convertiría en su antítesis a finales de los 80s. Artistas como los Smiths, REM y Jane's Adicction serían grandes pilares de este suceso, pero no sería hasta la aparición del grunge en Seattle que dejarían de pertenecer a la escena under. Grupos como Nirvana, Soundgarden y Alice in Chains marcarían el principio de la década y romperían la represa dejando correr el río de diferentes estilos musicales que durante décadas se encasilló con el mismo nombre.

Así es como pasamos los 90s, una década de emergentes subgéneros del rock alternativo o como el Brit Pop, el shoegaze o el Madchester y llegamos al nuevo milenio repletos de bandas indie que suenan diferente. The Strokes, Arctic Monkeys, Foster the People, Franz Ferdinand, Arcade Fire… son sólo cinco ejemplos de cómo la música indie no tiene un sonido en concreto. Sus características son tan nebulosas que podemos encontrar, por un lado, un modelo más dance mientras que en el otro extremo tenemos garage rock.

The Strokes - Alone, Together (2001)

Franz Ferdinand - Darts of Pleasure (2003)

Las voces sin sentimientos, la duda y la introspección en vez de la alegría, riffs y melodías simples en lugar de virtuosismo, el nerviosismo así como la experimentación con instrumentos, todo esto evitando el contacto con el blues y expresado musicalmente en un compás de 4/4 marcando cada una de las ocho corcheas con el mismo énfasis crea un lazo -débil y flaco, como su sonido- entre las bandas indie del nuevo milenio, logrando que estas cinco bandas no sean solo post punk, garage rock, pop/rock, dance rock y pop barroco respectivamente.

Podemos concluir entre pinzas que el Indie es un género musical cuyo sonido se desprende principalmente del post-punk de los 80s, pero que incluye diversos subgéneros que van desde el pop hasta el rock destemplado.