The Strokes - Is This It (2001)

"Things, they have changed

In such a permanent way

Life seems unreal

Can we go back to your place?

Oh, 'You drink too much'

Makes me drink just the same"

Qué iba a ser de la música en el nuevo milenio era una pregunta abierta desde los noventa, que habían arrancado innovadores y agresivos pero habían terminado empaquetados y sin expresión, con boybands y solistas pop dominando las listas radiales. ¿Esto es todo? (imposible hacer el juego de palabras con Is This It, la traducción es complicada)

Con ensayos en la ciudad de Nueva York desde 1998, Los Strokes empezaban a conformarse. Cinco muchachos con un EP que se arriesgaba a cambiar las reglas: un sonido bastante lo fi y ruidoso, ritmos rockeros y poco cambiantes y una lejanía con el sentimiento de la canción. Meses después sacarían su primer longplay con algunos cambios, pero el sonido singular se mantendría intacto.

A los elementos del garage rock como la métrica de 4/4 en los once temas, guitarras ruidosas en primer plano, una voz que canta fuerte en los estribillos y un sonido a primera escucha poco pulido, se le suma el post punk: esas mismas guitarras ruidosas se vuelven ansiosas e intranquilas, la batería y el bajo aportan un ritmo parejo pero abrupto y la voz filtrada de Casablancas, que parece no importarle ninguna opinión.

Las estrofas son simples, con pocos arreglos e incluso con baterías acústicas que emulan ser electrónicas. Las canciones explotan en los estribillos y los solos de guitarra que no cansan y aparecen en los momentos indicados.

El sonido crudo ya característico de los Strokes es lo que hace tan original al album. Una grabación simple, con pocos micrófonos, pocos efectos de guitarra y pocas tomas en general, con los integrantes tocando a la vez cual si fuera un recital en vivo. Las baterías de Moretti poseen pocos fills y cuando los hay, prefiere ser cauto. El bajo de Fraiture pocas veces sale de marcar la tónica del acorde, siempre siguiendo el ritmo cansino de la batería. Albert Hammond y Valensi intercambian los roles de melódico y estresado, siempre uno a la derecha y otro a la izquierda de la mezcla.

El disco va de menor a mayor. Empieza con una balada homónima, la única en la lista. El inicio de la canción anticipan la simpleza que recorre el album con una base batería clásica de rock y una guitarra acorcheada. El bajo aparece después del primer estribillo con una contra-melodía, inusual en el álbum. En “The Modern Age” y “Someday” podemos encontrar la increíble función rítmica que cumplen las guitarras en la banda, casi metiéndose en el rol de la batería, la banda parece seguir a Hammond y Valensi

Pasando el Ecuador de la lista aparece el segundo single y el mayor hit del álbum, “Last Nite”. La canción, como muchas de los Strokes, se constituye de a poco, sumando instrumentos cada 2 ó 4 compases. Esta vez empieza la guitarra de Valensi, después Moretti y posteriormente una guitarra doblada de Hammond. Por último se suma Fraiture, subiendo más y más la tensión que desemboca en la potente voz de Casablancas, retratando a un joven irritado con su novia. Es redundante pero necesario aclarar que otra vez la canción es impecable gracias a los arreglos rítmicos de cada instrumento sumado a la melodía pop de Julian Casablancas. Cerca del final se encuentra “New York City Cops”,  canción retirada en la versión estadounidense debido a que se podía mal interpretar la letra, que hablaba de la estupidez de los policías neoyorkinos poco después del atentado del 9/11 (también se cambió la tapa del disco, evitando la controversia por nudismo que había tenido la versión inglesa.)

“Los Salvadores del rock” (así titulados por la prensa) dieron un gran puntapié al sonido de los 00’s. Su revival del post punk influenció a bandas como Interpol, Franz Ferdinad o The Killers mientras que por el lado más garage, Arctic Monkeys y The Libertines tomaron la faceta rockera.

1. Is This It
2. The Modern Age
3. Soma
4. Barely Legal
5. Someday
6. Alone, Together
7. Last Nite
8. Hard to Explain
9. New York City Cops/When It Started
10. Trying Your Luck
11. Take It Or Leave It

3 Temas: “Barely Legal”, “Hard to Explain”, “Last Nite”

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The Who - Who's Next? (1971)

"Pick up my guitar and play
Just like yesterday
Then I'll get on my knees and pray
We don't get fooled again"

Es 1971 y por las calles de las nueve regiones de Inglaterra se repite que en el mundo del rock existen sólo tres bandas: Led Zeppelin, Black Sabbath y Deep Purple. El rock sinfónico está apareciendo, alejándose de los cánones típicos del rock and roll por culpa de nuevos instrumentos como el sintetizador y técnicas de grabación novedosas. Pero, ¿algún grupo se animaría a abrir su disco con dos sintetizadores sonando solos por 1 minuto y aun así pertenecer al grupo del hard rock?

The Who lo hizo. Y más. La clásica intensidad de la banda se fusiona con la madurez alcanzada por los músicos para crear el mejor disco de su carrera.
La historia del cuarteto de Londres tiene su origen en el rhythmn and blues tan popular de la década de los 60s, al cual ellos le sumaban su cuota humorística y excéntrica. Discos donde una mujer tiene un rapidito con un conductor de trenes; Tommy, el niño sordo, ciego y mudo que es excelente jugando al pinball y hasta canciones sueltas como “Mary Anne with the Shaky Hand”, y las cosas que ha hecho Mary Anne y su mano “temblorosa” a los hombres.

Pero en Who’s Next? llega el apogeo de los 4 miembros. Moon elabora fills más inteligentes y con menos golpes, calmando (un poco) su locura, Entwistle, siempre excepcional en su faceta con las 4 cuerdas, compone una de las mejores canciones del disco con “My Wife” sin dejar su humor de lado, Daltrey logra ser uno con el grupo, entendiendo que su voz es común, pero su vigor no, y Townshend, el principal compositor de la banda, decide hablar en primera persona y mostrar lo que siente en vez de soltar humoradas.
Otro ejemplo de la madurez de la banda es la dinámica de las canciones. Las composiciones explotan en momentos indicados, generando clímax que se crean gracias a la contraposición de partes tranquilas. La banda sabe ser suave cuando tiene que serlo, lo que genera una sorpresa mayor cuando surge la potencia.

El disco es un soft hard rock (término acuñado, patente pendiente), no es tan fuerte ni progresivo como Deep Purple, está lejos del heavy metal de Black Sabbath y tiene pocas insinuaciones al blues rock de Led Zeppelin. Aún así, tampoco tiene una reticencia pop, siendo difícil de catalogar.
“Behind Blue Eyes” se destaca siendo una de las pocas baladas del grupo, aunque por poco tiempo, Townshend no puede traicionarse a sí mismo y decide hacer explotar la canción pasado el minuto 2, quizás intentando que la gente le pusiera atención a la música, tapando así sus versos personales, donde se destapa la presión que tenía al ser el principal compositor de letra y música. A esta presión se le suma su ambición por hacer operas-rock, complejas canciones unidas por conceptos que tenían que tener un sentido y una interacción entre sí. Townshend había fracasado y abandonado el proyecto Lifehouse en el año 1970 pero con los restos construiría los cimientos de Who’s Next?

El cierre del disco lo conduce "Won’t Get Fooled Again", el tema más largo del disco, pasando los 8 minutos de duración. De vuelta con un sintetizador, esta vez cambia su timbre a medida que va quitando y agregando frecuencias agudas. A diferencia del track #1 esta vez solo tarda 30 segundos en entrar la banda. La letra y la música compiten constantemente por ganar la atención del oyente, lo que conlleva a una de las mejores canciones de la historia: en medio de riffs de bajo, incanzables fills de batería y potencia en acordes de guitarra, la voz de Daltrey relata una revolución: cuando se necesite un cambio, la sociedad luchará por él, pero rezando que no sea lo mismo de lo que se está escapando (“Meet the new boss, same as the old boss”)

Lado A

1. Baba O’Riley
2. Bargain
3. Love Ain’t for Keeping
4. My Wife
5. The Song is Over

Lado B

1. Getting in Tune
2. Going Mobile
3. Behind Blue Eyes
4. Won’t Get Fooled Again

3 temas: “Baba O’Riley”, “Bargain”, “Won’t Get Fooled Again”

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Sobre la cumbia y la emergente cumbia pop

La cumbia es un ritmo popular nacido en Colombia con la combinación de la música autóctona y de inmigrantes africanos (con una pizca de colonizadores españoles). Con auge en los años 60, siempre tuvo una segunda casa en Argentina, como en varias partes del continente. 

Si bien empezó abandonando la instrumentación clásica del género tropical, se combinaba con ritmos propios del país, como el tango o el chamamé, lo que lo fue haciendo cada vez más singular.

A finales de los 70s y comienzos de los 80s comienzan a aparecer los primeros lugares para bailar música tropical, incluida la cumbia. Estos lugares eran más informales que los recintos donde se bailaba el folklore típico de la región y eran mal vistos por las clases más altas.

Las letras típicas de estas cumbias contaban historias de mal de amores, infidelidades y rupturas. La instrumentación tenía semejanza con el folklore: mayoritariamente los vientos y las guitarras limpias eran los encargados de hacer los riffs de entrada y salida de la canción. Si no, el acordeón o los teclados  eran los reemplazantes.

Ya a principios de los 90s la cumbia tomó más popularidad, sonando cada vez más en radio y con programas de televisión exclusivos al género. Contaba con exponentes como Ricky Maravilla, Gilda o  Alcides y bandas como Amar Azul, Ráfaga, Los Palmeras.  La guitarra y la percusión fueron tomando más preponderancia mientras que el acordeón y los teclados dejaron el primer plano. El sonido del sintetizador, que permitía tener muchos timbres con un solo instrumento sería uno de los instrumentos clásicos de la nueva cumbia argentina. Las letras nuevamente hablaban de pasión y desamor.

Con la crisis del nuevo siglo nace en los barrios más pobres la cumbia villera, con bandas como Damas Gratis,  Pibes Chorros, Supermerk2 y Yerba Brava (esta última otorga el nombre al género con su primer disco). El cambio más radical se produce en la lírica, los temas a tratar son la pobreza, la marginalidad, el desempleo, el alcohol y la delincuencia con una jerga cruda y callejera. El odio a la policía y la oda a las drogas hicieron que la cumbia sea aún más marginada por la sociedad, que la veía casi como no-música hecha por y para clases bajas sin educación.

Entre el 2009 y el 2010 empiezan a tomar fama las bandas Los Totora y Agapornis. Las canciones que sonaban en la radio y en sus recitales eran covers de temas de cumbia romántica o reversiones de canciones pop con bases e instrumentación cumbieras.

Esta característica de versionar canciones famosas (“Fuego de Noche” de Ricky Martin y “Como Yo Nadie te ha Amado” de Bon Jovi por parte de Los Totora y “Persiana Americana” de Soda Stereo y “Si te vas” de Shakira en el caso de Agapornis, por citar algunas) le quitó el prejuicio a la cumbia ya que estas canciones eran cantadas por las clases bajas, medias y altas.

Otra particularidad es que los integrantes de las bandas venían de familias pudientes, habían asistido a prestigiosas escuelas y hasta algunos de ellos practicaban rugby, contrariamente a lo popular de los artistas de la cumbia.

En Uruguay, las bandas Rombai, Marama y Toco para Vos continuaron la ahora llamada “Cumbia-Pop”, que tuvo su explosión en 2014 y 2015. También provienen de familias medias y altas (los Rombai se conocieron en una universidad privada de Uruguay) pero a diferencia de Agapornis y los Totora, estas bandas orientales componen muchos de los temas que suenan en vivo. Las letras son de amor, pero a diferencia de las cumbias típicas, estas cuentan historias de efímeros amores de verano. Son alegres, optimistas, llenos de felicidad. Los videoclips que acompañan estas canciones tienen mucha similitud con los de los artistas estadounidenses de Pop y Rhythm and Blues contemporáneo: fiesta, yate, quinta y mucho romance juvenil. Además del arte visual, musicalmente toman mucho del pop electrónico y del reggaetón.

Con las redes sociales y Youtube como parte de la vida normal, estas bandas siguen expandiéndose en cada computadora: “Era Tranquila” de Marama fue publicado el 29 de diciembre del 2015 y en los primeros días de febrero ya tiene casi 17 millones de reproducciones. “Yo te propongo” de Rombai fue lanzado unos días antes y lleva 22 millones de reproducciones.

Nuevas agrupaciones siguen saliendo (Vi-Em, Canto Para Bailar), cada una con su mantra post estribillo para que no nos olvidemos de sus nombres: “Esto es, ¡Toco para Vos!”, “Rombai, ¡de fiesta!”, “¡Baila nena con Marama!”. Quedará por verse si con el paso del tiempo perdurarán las bandas o solo sus slogans.

Babasónicos - Miami (1999)

“Todos en el mundo somos grasa
No hago distinción de sexo y raza
Sólo que unos lo disfrutan
y otros no pueden evitarlo”

“Somos el primer mundo” decía Carlos Menem, presidente argentino en el período 1989-1999, y principal vaciador del Estado en esa década. Teléfonos, energía, aerolíneas, ferrocarriles, agua y televisión fueron otorgados a manos privadas y el dinero recibido no fue a parar a hospitales, educación o más trabajo, si no a los bolsillos de los más poderosos. Con la convertibilidad y la alianza con Estados Unidos aparecieron los productos importados, los viajes a Miami, lo grasa y el concepto de “Pizza con champagne”

Quizás la mejor representación de la época sea Miami (1999), que en su presentación nos pinta una Argentina de negro y caída que imita y compone al país norteamericano, con Misiones transformada en Florida. Afortunadamente el disco no se queda en eso, a lo largo de sus 18 canciones compuestas de trip hop, boleros, rock alternativo y psicodelia nos cuenta con (a veces no tanto) crípticas letras su repulsión al capitalismo imperialista.

Lo alternativo se volvería mainstream con el pasar de la década, y esta evolución la vivirían los mismos Babasónicos, que lanzaron su primer disco en 1992, teloneando en ese mismo año a Soda Stereo, sus padrinos musicales. Después de eso, seguirían en el ambiente underground del rock teloneando también a grandes bandas como INXS y U2, aunque cada vez experimentando más con los géneros, funk, soul y hasta stoner rock en Babasónica (1997), pero sin perder la influencia de las bandas Baggy/Madchester de Inglaterra de finales de los 80s y principios de los 90s. Después de la búsqueda más osada en el álbum anterior, dejarían el stoner para volver a las raíces alternativas/experimentales afrontando las composiciones con más madurez.

El art rock está plagado en todo Miami. A pesar de su largo tracklist, encontramos muchos climas, la instrumentación es variada así como los efectos y su producción. Los violines, saxos, flautas, xilofones, trompetas y la extensa atención en las voces sumado a los infinitos timbres que proponen los sintetizadores son fundamentales en darle una personalidad diferente a cada canción.La psicodelia rocía el álbum y funciona como nexo entre las bases hiphoperas (“Paraguayana”, “Bardo de Estrella”) y las baladas pop (“Valle de Valium”, “Casualidad”), además del tinte mexicano (“Desfachatados”, “Colgado”)  ya común en Babasónicos.
Esto crea la diferencia con los discos anteriores: si bien el eclecticismo entre los tracks sigue presente, Miami se siente más homogéneo y las canciones se perciben como familia unas con otras por más que el contraste sea notorio.

Miami sería el punto de inflexión en la banda: A partir de aquí encontrarían su sonido característico, pero tomarían un camino cada vez más cercano al pop, dejando de lado el rock sónico típico de sus primeros álbumes. DJ Peggy, que había estado en la banda desde su segundo disco, dejaría la banda en el 2000 por diferencias artísticas. 

Los arreglos serían cada vez más simples (con comparar las baladas pop posteriores con las de este álbum es suficiente) pero las ventas subirían, su álbum Mucho (2008) sería el primero en Latinoamérica en ser lanzado por celular y además contendría canciones en videojuegos como “Microdancing” presente en el Pro Evolution Soccer 2011.

1. 4 AM
2. Desfachatados
3. El Ringo
4. El Sumum
5. La Roncha
6. Paraguayana
7. Valle de Valium
8. Bardo de Estrella
9. El Playboy
10. Drag Dealer
11. Gustavo Show
12. Combustible
13. Charada
14. Grand Prix
15. Colgado
16. Mal viaje
17. El Shopping
18. Casualidad

3 temas: “4 AM”, “El Shopping”, “Casualidad”.

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